Le Festival du Film de Pau - Le Blog

Voir la bande annonce

Nous avons eu l’honneur de voir en avant première nationale, la dernière projection de ce festival :« Le Havre ». Un film très touchant qui aborde des sujets actuels avec légèreté. Ce long métrage signé Aki Kaurismaki traite de l’immigration et de l’accueil de ces « indésirables » dans une société française qui n’offre plus la liberté de passage.

Les couleurs sont très belles, chaque plan est travaillé comme une photo, et les personnages s’expriment avec une naïveté touchante ce qui donne au résultat un ton surréaliste au film. L’époque semble indéfinie, cependant le spectateur y retrouve les problèmes d’aujourd’hui.

Une fable bouleversante et parfois très drôle qui plaira à toutes les générations ! A retrouver prochainement au Méliès !

Léa Tendron, Laurie Martin, Sophie Canon, Manon Vleugels, Lucille Torne, Morgane Evrard, Lucille Gay, Marie Royer

Aujourd’hui, c’était tout le monde au Festival du film de Pau ! En effet,  deux classes de première 2 L/ES et 4 S et les secondes option" Création artistique et littéraire"  du lycée Jacques Monod ont eu la chance d’assister à la représentation cinématographique de « Séraphine » de Martin Provost que nous avons rencontré par la suite. Sorti  à l’écran en 2008 et malgré un faible budget (3M d’euros quand même pour un tournage de 8 semaines), ce film a été récompensé de sept oscars « inattendus », notamment celui du meilleur scénario tant espéré par le réalisateur. Vous lecteurs attentifs de notre blog vous connaissez certainement ce film  mais pour nous c’était une découverte !

Rapide résumé. Ce film est basé sur la véritable histoire de la peintre renommée Séraphine de Senlis. Il nous raconte la vie de cette modeste femme de ménage  qui grâce à l’aide d’un marchand et critique d’art Wilhelm Uhde va devenir une peintre célèbre et reconnue. 

Ce film est très palpitant, touchant et poignant grâce à la formidable prestation de Yolande Moreau.

Dans une ambiance chaleureuse, Martin Provost, par ailleurs membre du jury, a pris son temps pour  nous  livrer des anecdotes sur le tournage.

Travail de photographe réalisé par des élèves de seconde de la Créac de Madame Alvarez qui nous a accompagnés cette journée avec Madame Léglise.

Il nous a d’abord parlé de l’enfance et des moments de la vie de Séraphine qu’il n’a pas traités dans son film. Orpheline à 7ans, enfant douée à l’école, rentrée au couvent et sœur converse de ses 10 à 40 ans, la vie de Séraphine a basculé lorsque son « ange gardien » lui est apparu et lui a ordonné d’être peintre. Il a approfondi la relation avec Wilhelm Uhde, rajouté des personnages qui n’existent pas (Minouche et la logeuse) pour faire comprendre «qu’on n’est rien tout seuls ». Il nous a ensuite longuement expliqué comment le film avait pu être réalisé. Martin Provost traversait une phase difficile de son existence d’artiste. Il avait essayé de monter un film qui « s’est cassé la figure », une amie lui a alors proposé le sujet de Séraphine en lui disant qu’il l’intéresserait parce qu’il était en rapport avec sa propre situation. C’était vrai et le film a commencé à germer dans sa tête ! Le but de Martin Provost c’est de montrer ce qu’est un chemin artistique. Souvent au cours de sa conversation avec nous, il nous a donné sa conception de l’art. Celui-ci est toujours lié à une certaine recherche de  la reconnaissance et de l’amour : « pas d’art véritable sans amour ! ». C’est ainsi qu’à  travers l’art, Séraphine épouse la vie spirituelle. 

Nous l’avons interrogé sur les nombreuses scènes qui représentaient la nature. Martin Provost nous a répondu que les textes disaient que Séraphine parlait aux arbres (comme le réalisateur lui-même) et que la nature est importante dans la démarche artistique : « Pas d’art sans communion avec la nature ». 

Nous avons évoqué avec lui l’actrice Yolande Moreau. Comme elle habite à 3 km de chez lui, il l’a rencontrée, elle était dans son jardin inondé de fleurs au printemps. Il voit de suite en elle Séraphine lors de leur première rencontre. Le début du tournage a été rude puisque Yolande a eu du mal à se mettre dans la peau d’une femme pieuse. Elle jouait comme dans « les Deschiens » ! Un jour il lui dit : «  Pour jouer Séraphine, pense à Dieu car elle vit avec Dieu 24h sur 24 ». La prise suivante Yolande était transformée et à partir de ce jour elle a été éblouissante et elle disait : «  Je ne suis pas croyante mais je me met dans mon coin et Séraphine est avec moi ».

N’oublions pas que le film comporte de nombreux tableaux. Ceux-ci ne sont pas les vrais tableaux de Séraphine. Les peintres engagés sur le tournage ont d’abord reproduit les tableaux « au millimètre près » mais ça ne prenait pas. Il a fallu qu’ils se réapproprient les mêmes techniques que l’artiste  afin que les tableaux « se mettent à vivre. » 

Enfin, Martin Provost a terminé sur les nombreux Césars reçus. « C’était merveilleux pour Séraphine. Avant qu’elle meure à l’asile de Clermont, elle avait confié qu’elle rêvait d’un grand enterrement, avec une plaque funèbre disant qu’elle voulait  une résurrection merveilleuse. C’est ce que le film a permis. C’est le fondement de l’art ! » Alors, longue vie à Séraphine !

Voir la bande-annonce

Nous avons assisté à la projection de «Nuit #1» film Québécois en compétition d’Anne Émond avec l’actrice Catherine de Léan qui a rencontré ensuite son public au café Méliès.

Ce film retrace le désespoir suicidaire de deux solitaires déracinés. Il se présente comme une succession de monologues en plans fixes dans un décor assez « glauque » qui retranscrit bien l’atmosphère de huis clos.

A la suite du film, l’actrice Catherine de Léan nous a parlé du tournage. Elle a attiré notre attention sur le contraste entre les belles paroles utilisées pour montrer le désarroi des personnages et les actions « crues » et déprimantes du film. Avec beaucoup de sincérité et de lucidité, elle nous a confié la difficulté de tourner « la longue scène de sexe triste » du début, bien différente de celles qu’on peut voir dans les films hollywoodiens qui sont souvent idéalisées.

Pour faire ce film, la réalisatrice s’est inspirée du film « La maman et la putain » de Jean Eustache (diffusé en suivant dans la salle !) et des films d’Ingmar Bergman. Elle a voulu montrer des personnages « au fond du fond » en s’inspirant certainement de ses expériences personnelles. C’est pourquoi ce film sonne aussi juste et que les mots sont si vrais. 

Une performance d'acteur exceptionnelle, un film touchant et très humain qui finit par une note d'espoir poétique, mais aussi un film qui risque de diviser, chacun d'entre nous ne se reconnaissant pas forcément dans ces personnages au bout du rouleau.

VIGNOTTES Maylis, ZIMMERMANN Tess, LABATUT Alizée et PLATRE Sarah.

Le film d’Eric Guirado, Le fils de l’épicier, est un film de société émouvant et sensible qui nous plonge au cœur de la Drôme. Ce n’est absolument pas un film touristique ! Le réalisateur n’a pas voulu vanter la France. Les paysages, même s’ils nous paraissent somptueux, restent pour lui banals. En effet, il s’agit d’insérer dans un cadre la routine qui s’enracine dans les petits villages du Sud. Et aussi de montrer le rôle social que peut jouer une petite épicerie ambulante qui sillonne les routes. Enfin, il y a des portraits humains qui renvoient à une étude de la famille.

Eric Guirdo a mis en scène un jeune Parisien redécouvrant son pays natal car son père vient d’être hospitalisé à la suite d’un malaise cardiaque : il décide d’aider sa mère pour tenir l’épicerie et il trouve aussi que c’est une opportunité de se rapprocher de Claire, sa voisine dont il est secrètement amoureux. Se dessinent alors deux portraits opposés : lui, apparaît comme un jeune homme mystérieux alors qu’elle, est plus rayonnante. Nous, les blogueuses du soir, avons trouvé que derrière son charme (rôle interprété par Nicolas Cazalé, originaire de notre région) se cachait un homme introverti, blessé, perdu et associable. Il semble redouter profondément le regard de son père et de son frère dont il s’est détaché il y a plus de dix ans. Au contraire, nous avons vu Claire comme une lumière dans sa vie, une échappatoire à sa solitude. Nos professeurs l’ont trouvée radieuse (rôle interprété par Clotilde Hesme) pleine de vitalité et l’auraient bien aidée pour son bac blanc !

Or, Antoine ne se rend pas compte que les autres aussi ont leurs soucis, il semble accaparer sur lui toute la misère du monde. Il y a peut-être en lui une forme d’égoïsme qui va peu à peu s’estomper : il se plait de plus en plus à apporter son aide à ses vieux clients, il finit par comprendre que les études sont importantes pour Claire et il sauve son frère du suicide. En brisant la glace avec son père qui lui accorde enfin son estime à la fin du film, Antoine s’ouvre à l’humanité. 

La journée dédiée aux lycéens nous a permis, comme ce matin, de rencontrer Eric Guirado que nous avons trouvé très à l’aise dans son rôle de professeur de cinéma ! Il a encouragé nos questions et il s’est montré très abordable, avec un certain humour ! Merci à lui ! 

Que nous a-t-il révélé ? 

D’abord, il est venu à l’image par la photographie dès l’âge de 10-11 ans. Il a beaucoup appris en faisant des erreurs (comme son personnage !) : les images qui se révélaient floues étaient pour lui les plus belles (pour Léa, qui rédige avec nous cet article, ce type de photos cache un mystère). Il se rappelle qu’il est venu à l’écriture en rédigeant un journal, et en créant des poèmes et des chansons. Par ailleurs, il s’est inscrit en fac de biologie mais c’était une erreur ! Il a découvert la forme du court métrage dans un festival et il a trouvé que c’était un objet de création extraordinaire ! Il est aussi très intéressé par le documentaire qui lui a permis de gagner sa vie en réalisant des reportages pour France télévision. Pour lui, le documentaire est un vertige, car on ne sait jamais ce que l’on va ramener alors, qu’au cinéma, on a un scénario. Notre camarade Marie, élève de 1ere 4S en a déduit (très intelligemment !) qu’Antoine était l’aboutissement de tous les portraits qu’avait faits le réalisateur auparavant. 

Il est aussi rentré dans l’analyse du film, et il nous a révélé ce que symbolise le camion : « c’est quelque chose qui appartient à mon enfance : j’ai vu beaucoup de marchands de ce type. J’ai aussi voulu confronter mon personnage à un univers qui était ouvert aux autres et qui était si différent de lui. Le camion c’est aussi une façon de traverser la vie de beaucoup de gens. C’est comme un appareil photo polaroïd qui s’ouvre et se referme ». On s’en était bien rendu compte : la pauvre Lucienne a pris sur la tronche le volet marchand et elle est revenue quelques jours plus tard avec un casque pour éviter les caprices du camion ! Nous aimerions rajouter (ne désespérez pas, nous avons bientôt fini !) que le camion est le reflet de l’atmosphère familiale : il ne démarrait pas au début du film, ils l’ont peint comme pour le maquiller et comme pour masquer les apparences. Puis, il apparaît à la fin comme un personnage à part entière dans son état le plus vrai et il est le témoin d’une scène de réconciliation et de bien être total. 

Ouf, il est temps de vous quitter, nous devons aller manger sous la tente. D’autres projections nous attendent ! Si vous aussi vous avez vu le film, nous attendons impatiemment vos réflexions et vos commentaires. Merci et bonne soirée !

Sarah Platre, Alizée Labatut, Pauline Cassou, Maylis Vignottes, Julie Paillol, Camille Alary, Audrey Hourcade, Anne-Hélène Bertana, Léa Laidet, Tess Zimmermann

Une journaliste est venue interroger les lycéens :
Retrouvez l'article sur le sud-ouest du 8 décembre

Ci-dessous le Jury du Festival : Martin Provost, Éric Guirado, Vadim Sher, Noëlle Boisson, Odile Barski, Emily Loizeau et Colo Tavernier. photo luke laissac (photo La Pépinière)

Voir Bande Annonce

Ce jeudi 8 décembre à 18h, Emmanuel Laborie a présenté son moyen métrage "Jean Luc Persécuté" entièrement réalisé dans la vallée d’Ossau. Laura, une des blogueuses du jour a été touchée par le fait de voir une terre qui lui est particulièrement chère car elle vit en bas de cette vallée, à Louvie-Juzon, lo Lobier de bach alors même que le film se déroule dans lo Lobier de haut. Elle a retrouvé la majesté des montagnes qui participe chaque matin à son réveil et toute la grandeur de la chaîne. Le film a réveillé en elle tous les souvenirs de son enfance.

Le réalisateur nous livre l’aventure troublante d’un homme tiraillé par la vie. Il s’agit de l’adaptation d’un roman suisse écrit par Charles Ferdinand Ramuz. Alors qu’il vient d’avoir un enfant, Jean-Luc découvre que sa femme le trompe. Après avoir tenté de lui pardonner, il se rend compte qu’elle se sert de lui et il la quitte violemment, emportant dans ses bras son fils. Ce héros à fleur de peau est très humain car, en plein hiver, il se réfugie chez des religieuses qui nourrissent l’enfant. Puis, il sombre dans l’alcool un peu pour oublier sa tristesse. Le film se transforme en tragédie quand l’enfant se noie. Il nous désarme, il nous émeut, il nous interroge sur les rapports humains qui deviennent parfois si complexes. Son désarroi et sa méfiance envers ses proches le mènent à sa perte et à celle des siens. 

Lors de la rencontre avec le public, il explique son désir personnel de produire un film sans paroles. Anne, autre rédactrice du jour, lui demande quelle était la place de la musique dans son film. Il lui répond qu’il s’agit d’un énorme travail du son. Son projet lui laissait beaucoup d’espaces libres et c’est pourquoi il a fallu donner de la matière sonore pour restituer le réel et toutes les émotions. Il avait d’abord pensé à apporter un décalage avec du blues, du rock ou du jazz mais son inspiration lui est venue d’une musique qu’il écoutait en composant son scénario : c’est une mélodie emphatique et lyrique que l’on retrouve à trois ou quatre moments dans le film. Elle accompagne les différentes étapes du récit et ce quels que soient les sentiments, même les plus violents. Il en va de même pour les saisons que la musique traverse voluptueusement. Il a aussi fait appel à Mao, un sonoriste toulousain, spécialiste dans les grincements de violons et de vielles. 

Il est aussi fier de rappeler comment il a réussi à trouver l’acteur qui correspondait le mieux au profil de son personnage. Il raconte avec saveur l’anecdote : un de ses collègues croise dans Paris un homme robuste, reflet du physique du personnage du roman. Très vite, il a senti que ce comédien là s’imposait physiquement et qu’il serait capable d’exprimer une sensibilité intérieure. 

Présenté dans la section pyrénéenne, ce film a su trouver un cadre spatial idéal pour mettre en scène cette dure histoire.

Article rédigé par Laura Barraqué, mélanie Locardel, Anne Ardaillou, Camille Boulay, avec le soutien de M. Lanave

Cette année, le pays mis à l’honneur au festival international du film de Pau est l’Iran ! Aujourd’hui nous avons assisté à la projection de Gesher, premier film de Vahid Vakilifar, en compétition.

Le film raconte le quotidien de 3 hommes en quête de prospérité. Ils squattent clandestinement les sites d’extraction de gaz et dorment dans des morceaux de pipelines avec le strict minimum, comme des SDF ! Des conditions de vie plutôt précaires et pas banales non ! Leur seule source d’énergie : la batterie d’une voiture. De plus, leur famille est très éloignée, à l’image de Ghobad qui envoie régulièrement de l’argent à sa femme et à sa fille en le cachant dans une peluche. Le geste et l’image sont forts car il envoie à la fois, par le biais de cette peluche, un cadeau à sa fille et de l’argent à sa femme !

Nezam, quant à lui, est chargé de déboucher les toilettes. Un travail humiliant et dégradant ! En plus, sa machine ne fonctionne pas donc il se retrouve littéralement dans la « merde », aux sens propres et figurés. Après son travail, Nezam réussit néanmoins à s’évader en se purifiant, en se lavant dans la mer, et ainsi à retrouver un instant de liberté.

Enfin Jahan, le plus jeune des 3, est celui qui a le plus d’ambition, il est le chauffeur des patrons. Il réussit à rêver en se prenant en photo dans des vêtements « classes » qu’il ne peut pas se payer. C’est lui qui réussira à trouver un moyen de s’élever dans la société avec ses amis. 

Ces trois hommes parviennent à passer des bons moments malgré tout et à trouver des moments de détente en fumant par exemple, ou alors par des soirées musicales autour du feu, ou par des paris. On remarque qu’il n’y a pas de chacun pour soi, tout le monde doit s’entraider et partager : c’est la solidarité ! 

Pour nous, jeunes lycéens habitués au cinéma populaire, il s’agit de notre première rencontre avec le cinéma d’auteur. Nos impressions sur le film sont diverses. Cette fiction sociale qui nous confronte à la réalité est bien loin du cinéma divertissant censé nous faire rêver. Pour la plupart nous avons trouvé que les scènes étaient souvent lentes et le peu de dialogues nous a beaucoup surpris. Le but recherché par l’auteur est aussi de nous plonger dans le quotidien cyclique et lassant de ces trois hommes qui vivent dans la misère. L’auteur nous montre des instants d’une vie comme s’il s’agissait d’un documentaire. D’ailleurs, le réalisateur voulait à l’origine livrer un documentaire sur la précarité de ces gens, nous a dit Vicentia lors de la présentation du film. Finalement, le sort de ces malheureux lui a inspiré cette fiction réaliste. 

Dans le fond, ce film est très intéressant et nous fait beaucoup réfléchir sur un monde que nous, lycéens « aisés », ne connaissons pas.

A la sortie du film, nous sommes allés à la rencontre des spectateurs pour leur demander leurs impressions : « C’est un film social, j’ai bien aimé, aussi parce que c’est rare de voir ce genre de films au cinéma ! » Les avis sont partagés : « Je n’ai pas été renversé, on voit bien que c’est un premier film. Mais malgré le manque de moyens, les couleurs sont très belles et le casting est sympathique. »

Une autre spectatrice a aimé le film, surtout lorsque Nezam retrouve une sérénité en se baignant dans la mer. Pour elle, ce film montre « une Iran que l’on ne connaît pas, où des hommes travaillent dans des conditions presque inhumaines, disons plutôt une Iran déshumanisée. Ca change de l’Iran exotique qu’on peut parfois s’imaginer. »

Les blogueurs du Lycée Jacques Monod, ont eu des impressions variées, mais centrées sur le manque de dialogue et les scènes « interminables » qui ont donné un charme à ce film. C’est une vraie leçon de vie, « ce film donne matière à réfléchir ».

Bonfils Benjamin, Déprés Maxime, Bourdalé-dufau Freddy, Fillon Loïc

Bernard Blancan au Festival du film de Pau, c'est un classique. Et c'est toujours un plaisir. Mais ce qui change, c'est que jusqu'ici il était présent en tant qu'acteur mais cette année, c'est en tant que réalisateur d'un documentaire très personnel sur ses origines et sur sa famille  qu'il nous fait l'honneur de sa présence.

En effet, nous avons assisté à la projection en avant première nationale ce soir de Retour aux sources et comme l'a dit Bernard Blancan en présentant le film : " Je n'ai jamais vu le film avec des gens autour !"

Ce film relate, avec un subtil dosage entre émotion et humour, la découverte par Bernard Blancan de son père biologique, André, sourcier dans le Béarn. Le documentaire a été tourné "dans le coin" (plateau du Bénou, aux alentours d'Oloron,...) où  Bernard Blancan se livre à de multiples expériences en tant qu'apprenti-magnétiseur et sourcier! On le voit ainsi contrôler la perte de poids de divers citrons, essayer de faire changer de couleurs des clémentines, rechercher les sources d'eau à l'aide de baguettes... Des expériences qui n'ont pas entièrement convaincu sa mère ni ses proches. D'ailleurs lui-même a  laissé transparaître quelques doutes au cours du film !

Mais le véritable motif de ce premier long-métrage réussi n'est pas de réaliser "un guide pour devenir sourcier". Comme l'a expliqué avec beaucoup d'humour et de sincérité monsieur Blancan après la projection aux nombreux spectateurs présents, il a voulu surtout réaliser un film "sensible et fragile" sur les sources de sa vie. Ce n'est pas anodin de nouer le contact avec son père biologique après tant d'années de doutes et de silence ! Révéler "la vérité des choses, des êtres, de la matière, c'est compliqué. Rien n'est carré ! Et ça laisse des traces dans toutes les familles"" Le déclic qui l'a poussé à entreprendre des démarches pour retrouver son père biologique  est survenu  lorsque son "vrai père"  (celui qui l'a reconnu et élevé) est tombé gravement malade et ,ironie de la vie, n'a plus été capable de le reconnaître. C'est alors qu'il a ressenti le besoin impérieux de retrouver son géniteur.

Mais rassurez-vous ! Malgré ce sujet grave, M. Blancan ne se prend toujours pas au sérieux ! Le début du film (entre autre) en témoigne : avec des figurines amusantes, il raconte brièvement l'histoire de sa vie de façon jamais larmoyante.   

Bernard Blancan, avec sa gentillesse, sa disponibilité et son humour  nous a fait l'honneur de sa visite dans nos locaux. Nous ne sommes pas prêtes de l'oublier! Nous vous conseillons vivement de voir son film qui nous fera tous réfléchir sur l'importance de nos origines.

                                                                                                                    Marine Castet, Morgane Martinho et Malika Njofang Medu

Le festival du film de Pau, c'est l'occasion pour nous, les trois étudiantes de première 2L, de voir des films comme nous en voyons rarement et avec Sangue do meu sangue de Joao Canijo, nous avons été servis ! En effet, quel choc !

Dans ce film, véritable tragédie familiale, nous entrons dans la vie dramatique d'une famille portugaise dans un quartier pauvre de Lisbonne. Au coeur de cet univers déprimant règnent les figures tutélaires de la mère Marcia et de la tante Ivete, prêtes à tout pour se sacrifier pour les enfants de la famille : Joao Carlos, délinquant minable à peine sorti de prison et Claudia victime d'un amour interdit. L'Oedipe antique n'est pas très loin !

Nous vous prévenons tout de suite ! Quand on vous dit que la tante Ivete est prête à tout, nous ne vous mentons pas. On est tombés sur le cul en découvrant l'avant dernière scène du film où elle sauve son neveu ! Humiliation totale ...

On a été scotché aussi par l'interprétation de Rita BLANCO qui joue le rôle de la mère Marcia. C'est elle qui veille sur tout : lumière, gaz, nourriture, histoires amoureuses de sa fille avec le médecin marié Beto... Au détriment de sa vie et de ses amours personnels. La scène où elle "marche dans la merde" symbolise et résume à elle seule le rôle qu'elle joue au sein de toute la famille. Mais ne vous inquiétez pas, elle nettoie ses chaussures, se relève, reste digne et veillera sur les siens jusqu'au bout !

Malika Njofang-Medu, Morgane Martinho et Marine Castet

ci-dessous, extraits du film :